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DAMSO : Son avant-dernier projet

La naissance du projet

Le 15 novembre 2024, Damso a créé la surprise en sortant son nouvel album J’ai menti, un projet qu’il n’avait pas du tout prévu. Alors qu’il avait déjà annoncé un nouvel album pour mai 2025, l’artiste a pris tout le monde de court en dévoilant un EP qu’il a écrit rapidement, qui s’est finalement transformé en un véritable album. Une démarche inattendue, mais qui témoigne d’une spontanéité et d’une créativité sans limites.

Son écriture

L’album J’ai menti se distingue par son écriture rapide, où Damso semble vouloir s’exprimer sans filtre, avec une urgence palpable. Ce qui frappe dans ce projet, c’est l’évolution musicale de l’artiste. Bien que son style soit reconnaissable, Damso a décidé de sortir de sa zone de confort et de jouer avec de nouvelles sonorités. L’album navigue entre des influences trap et des beats plus dansants, inspirés notamment par le shatta et les sonorités afro-trap, un changement notable par rapport à ses précédents projets. On retrouve ainsi une touche plus légère, presque estivale par moments, qui contraste avec les atmosphères plus sombres et introspectives de ses anciens albums.

Mais J’ai menti ne se contente pas de suivre les tendances. Damso y explore des thématiques qui lui sont chères : les relations complexes, les conflits intérieurs, et bien sûr, sa vision de l’amour et de la société. Ses textes restent aussi percutants que d’habitude, oscillant entre poésie brute et réflexions profondes sur sa propre identité.

Les feats

L’album comprend plusieurs collaborations qui enrichissent cette nouvelle direction musicale. Parmi les invités, on retrouve Angèle, qui apporte une touche plus pop et mélodique à un morceau particulièrement lumineux. 

Kalash, l’artiste reggae-dancehall, fait aussi une apparition, ajoutant une dimension caribéenne et festive à l’ensemble, tandis que Kalash Criminel amène son flow agressif et sa signature trap à l’album, apportant un contraste intéressant avec les autres featurings plus doux.

Production

En termes de production, J’ai menti se distingue par sa diversité. Si Damso conserve son côté introspectif et poétique, il réussit ici à marier des influences extérieures tout en restant fidèle à lui-même. C’est un album qui, tout en explorant des territoires musicaux nouveaux, n’oublie jamais d’être authentique. En seulement quelques mois d’écriture, Damso parvient à nous surprendre, nous embarquer dans un projet frais, mais qui ne manque pas de profondeur.

En conclusion, J’ai menti est un projet audacieux et risqué, mais qui montre que Damso, loin de s’endormir sur ses acquis, continue de repousser ses limites. Cet album est une belle surprise, qui offre une palette de sonorités variées, tout en explorant des thèmes forts et personnels. Un projet où l’artiste s’affirme, une nouvelle fois, comme un créateur insatiable et toujours en mouvement.

SON ALBUM

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L’amour ouf : un film excessif pour un amour démesuré

Synopsis :
L’Amour Ouf retrace l’histoire poignante d’un premier amour, qui perdure jusqu’à l’âge adulte, le tout sur fond de trafic de drogue dans les années 80-90. Ce film, à la fois nostalgique et romantique et violent, nous plonge dans les complexités des relations humaines à travers des plans saisissants et des émotions intenses.

Partie 1 : De l’amour, de l’amour et encore de l’amour

1. L’amour du cinéma

L’Amour Ouf se distingue par ses procédés cinématographiques flamboyants. Les couleurs saturées et la luminosité omniprésente, même dans la pénombre de la nuit, créent une atmosphère presque onirique. Chaque plan est soigneusement orchestré : symétries harmonieuses, plans panchés audacieux, et jeux de caméra comme la contre-plongée et le zoom viennent enrichir la narration. Cette esthétique cinématographique renforce l’idée d’un amour idéal, magnifié par une mise en scène qui transcende le quotidien. Flollant le top-much, le réalisateur tend à faire de chaque scène, un moment d’exception.

2. L’amour des années 80-90

Le réalisateur déploie une nostalgie palpable pour les années 80-90, rendant cette époque vivante et immersive. Les décors du nord de la France, souvent négligés au cinéma, deviennent des personnages à part entière, enrichissant la toile de fond de l’histoire. La mode, les baskets emblématiques, et une bande originale soigneusement choisie participent à cette immersion sensorielle. Les plans larges, souvent utilisés, permettent de saisir toute l’ampleur de cette époque, ancrant le récit dans un contexte historique vibrant et identifiable.

3. L’amour de l’amour

Les scènes d’amour, parfois clichés, frôlent le ridicule : des baisers passionnés dans les champs au coucher de soleil, tout semble romantisé à l’extrême. Même la précarité devient une source de beauté dans cette vision idéalisée de l’amour. À travers des dialogues empreints d’émotion, le film rappelle que « personne n’aime le banal » ; l’effet trop prononcé de cette esthétique est un choix délibéré. Quoi de mieux qu’un film excessif pour exprimer un amour démesuré ? Cette maladresse touchante évoque les faux pas typiques du premier amour, rendant le réalisateur presque attachant dans sa générosité narrative.

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Partie 2 : Le beau rendu laid

À mesure que le récit avance vers l’âge adulte, une transformation radicale s’opère dans la réalisation. Les procédés visuels deviennent neutres : les couleurs s’estompent, les effets s’adoucissent. Les lieux, autrefois vibrants, se chargent de tristesse, et même ce qui était beau, comme la maison d’Adèle, révèle un aspect désenchanté. Les personnages adultes, à l’image d’Adèle aux cheveux fatigués, incarnent cette perte de vitalité, traduisant un arrêt dans le temps et une volonté de fuir un futur qui semble sans promesse.

La relation entre les protagonistes devient brutale, révélant les blessures émotionnelles qui les habitent. La scène à l’hôpital, où la communication apparaît comme une forme de guérison, illustre leur profonde carence affective. Frankie, orphelin de mère, et Clotaire, en quête d’une affection paternelle, semblent se retrouver dans leur union. En renouant, ils tentent de combler un vide qui les ronge, et leur amour, à la fois désespéré et nécessaire, enlève les couleurs de leurs vies.

L’Amour Ouf, dans sa dualité esthétique, nous rappelle que la beauté peut se transformer en laideur, et que l’amour, dans toutes ses manifestations, est à la fois une source de joie et de souffrance. Ce parcours émotionnel, d’un premier amour flamboyant à une relation adultère désenchantée, révèle la complexité des liens humains et nous laisse avec une question poignante : jusqu’où sommes-nous prêts à aller pour combler notre manque d’amour ?

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Léon : Un adulte-enfant et une enfant-adulte

« Léon », réalisé par Luc Besson, est un film qui transcende les frontières du simple récit d’action. Au cœur de cette œuvre, deux personnages emblématiques — Mathilda et Léon — incarnent des archétypes inversés : une enfant qui semble plus mature qu’elle ne devrait l’être et un homme qui porte le poids d’une enfance perdue. Cette dynamique complexe nous invite à explorer comment ces deux figures s’influencent mutuellement et à quel point leur relation contribue à leur évolution personnelle. Comme quoi, même dans un film de tueurs, on peut parfois parler d’amour… et de plantes.

Mathilda : L’Enfant Adultisée

Mathilda, interprétée par Natalie Portman, est introduite dans un contexte où elle est forcée de grandir trop vite. Victime de la violence et de l’abandon, elle développe une maturité précoce, prenant en main sa survie dans un monde qui lui est hostile. Sa capacité à comprendre les nuances des relations humaines et sa soif de vengeance contre ceux qui ont détruit sa vie lui confèrent une profondeur qui dépasse son âge. On pourrait dire qu’elle est l’enfant prodige du « cinéma noir », un peu comme si le Petit Prince avait décidé de se venger.

Elle devient, pour Léon, un miroir de son propre état. En l’amenant à sortir de sa coquille, elle lui permet de redécouvrir des émotions qu’il avait refoulées, notamment la capacité à aimer et à faire confiance. On pourrait même dire qu’elle est un peu comme une version « plus pétillante » de la « jeune fille aux allumettes », mais avec moins de tristesse et plus de répliques percutantes.

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Léon : L’Homme Enfant

Paradoxalement, Léon incarne l’homme enfant, malgré son statut de tueur professionnel. Bien qu’il soit redouté et respecté, sa manière d’interagir avec le monde est empreinte d’une naïveté presque enfantine. Léon ne sait pas exprimer ses émotions, restant souvent non démonstratif et reclus dans sa bulle. Sa relation avec Mathilda met en lumière sa carence affective, que l’on peut observer à travers son attachement maladroit à sa plante, une figure symbolique de sa quête de connexion et d’amour. On pourrait dire qu’il traite sa plante avec plus de tendresse que certains de ses contrats… une véritable « belle et la bête » des temps modernes.

En devenant le mentor de Mathilda, Léon se confronte à ses propres démons. Elle lui permet de renouer avec des émotions qu’il avait cachées derrière son masque de tueur, l’obligeant à envisager la responsabilité et la protection d’une manière nouvelle. C’est comme si « La La Land » avait pris une pause pour parler de sentiments.

Une Relation de Croissance Mutuelle

La dynamique entre Mathilda et Léon est un exemple puissant de la manière dont deux âmes perdues peuvent se transformer mutuellement. Mathilda, avec son désir ardent d’amour et de vengeance, pousse Léon à grandir, à sortir de son isolement. Elle lui montre que la vie ne se limite pas à la survie, mais qu’elle inclut aussi la capacité d’aimer et d’être aimé. Un peu comme dans « Un Américain à Paris », mais avec moins de danse et plus de balles.

Inversement, la présence de Léon permet à Mathilda de canaliser sa rage et sa douleur vers quelque chose de constructif. Au lieu de devenir une simple réplique de la violence qu’elle a subie, elle apprend à manipuler ses émotions et à comprendre les conséquences de ses actions. Comme quoi, même une enfant peut jouer aux échecs dans un monde de dames.

Conclusion

« Léon » nous rappelle que la maturité et la croissance ne sont pas toujours linéaires. Parfois, la vraie force réside dans la vulnérabilité. Mathilda et Léon, en s’ouvrant l’un à l’autre, transcendent les stéréotypes de l’enfance et de l’âge adulte. Leur relation montre que, dans les moments les plus sombres, des liens authentiques peuvent engendrer une transformation profonde, permettant à chacun de redécouvrir sa capacité à aimer et à être aimé. Et qui sait, peut-être que même un tueur à gages peut trouver son jardin secret.